Kenji Kawai est l'un des compositeurs japonais de musique de film les plus connus – avec Ryûichi Sakamoto et Joe Hisaishi – et traditionnellement lié avec le réalisateur Mamoru Oshii. C'est d'ailleurs pour Akai Megane, le premier long métrage live d'Oshii, que Kenji Kawai se lance dans la musique de film en 1987, avec des expériences derrière lui sur des bandes originales pour anime (Dream Hunter Rem, Maison Ikkoku, Devilman, Twilight Q).

En 2007, il fête donc ses 20 ans de carrière dans la musique de cinéma et pour l'occasion, il a donné un de ses très rares concerts et le premier avec un orchestre d'une centaine de musiciens, auquel vous rajoutez des choristes et une chorale de chant traditionnel. Kenji Kawai a mis quelque temps à monter le projet mais au bout de plus d'un an de labeur,  l'événement a lieu le 4 novembre 2007 sur la scène majestueuse du Pacifico Yokohama.

Project A-ko est un long métrage qui date de 1986 et qui a marqué le monde de la japanimation en occident. Il s'agit d'une histoire complètement loufoque, avec de succulentes références à des anime phares des années 70 et 80. Le titre est maintenant oublié, même s'il a donné lieu à des suites et des dérivés sous forme d'OAVs. Pour ma part, je ne suis pas un adepte du genre et le film m'a laissé plutôt de marbre, à l'exception de la bande originale.

La première particularité de la musique est d'avoir été produite en Californie, avec des chanteuses et des musiciens américains. Vous pouvez tomber sur des remakes des génériques en japonais mais les chansons originales sont chantées par Annie Livingston et Valerie Stevenson.

Le film d'Akira est sorti le 16 juillet 1988 au Japon, voilà maintenant plus de vingt ans. Pour les fans occidentaux, il marque l'apparition d'un dessin animé clairement pour adulte à l'extérieur du pays du soleil levant, un mélange détonnant de violence et de drame psychologique.

L'anime rapporte une vision raccourcie du manga fleuve de Katsuhiro Otomo et il a quelque peu vieilli, en comparant aux dernière nouveautés. Il conserve en revanche une image forte, notamment grâce à sa bande originale, qui colle si bien à son atmosphère, tout en étant un OVNI dans l'univers musical.

Seirei no Moribito est une série de 2007, remarquable par sa qualité technique exceptionnelle alors que ce n'est qu'une série télévisée. L'histoire relate les aventures d'une garde du corps, Balsa, qui accepte de protéger un jeune prince, victime d'une malédiction et dont la tête est mise à prix par son père, l'empereur. Même si le character design en a rebuté quelques uns et bien que son scénario manque un peu de rythme, sa bande originale a également marqué les esprits.

Il s'agit d'une nouvelle réalisation de Kenji Kawai, habitué à travailler avec le studio IG. Nous lui devons, entre autres, les bandes originales de tous les opus de Pat Labor. Avec Seirei no Moribito, le style de Kawai est moins marqué que dans Ghost in the Shell mais nous ressentons sa signature avec l'utilisation abondante des percussions.

Si vous êtes grand débutant en japonais, ne vous amusez pas à choisir Sanpo, le générique de début de Tonari no Totoro. Le rythme est assez rapide et le texte comporte plus de kanji que le niveau basique des paroles le laisserait croire. La version "sous-titrée" ci-dessous est interprétée par Aya Matsûra, aka Ayaya, une artiste de J-pop, actuellement plutôt reconvertie en présentatrice de télévision et animatrice radio.

J'avais émis quelques réserves dans notre critique d'Asatte no Hôkô, une histoire romantico-fantastique, qui est passée plutôt inaperçue et qui ne restera sans doute pas dans les annales. En revanche, vous pouvez garder en mémoire le joli coloris pastel des différentes scènes, ainsi que les musiques de fond, signées par Shinkichi Mitsumune.

Le compositeur est beaucoup moins connu qu'une Yôkô Kanno ou Joe Hisaishi mais il a collaboré à un nombre non négligeable d'anime et pas des moindres : FLCL, Rozen Maiden, Utena ou encore Negima. S'il ne participe pas forcément aux génériques, son style se reconnaît dans ses musiques, avec un goût prononcé pour l'utilisation du piano.

En 2002, Satoshi Kon confie la réalisation de la bande originale de Millenium Actress à un artiste avant-gardiste, Susumu Hirasawa. Son style est facilement reconnaissable avec des chansons associant des vocalises classiques – orientales ou occidentales – avec des musiques électroniques.

Le CD original soundtrack comporte douze pistes avec comme unique chanson, le générique de fin du film, Rotation, chanté par l'auteur lui-même. La chanson est un agencement habile de morceaux doux – à la harpe – et  de musique cadencée rythmé par les paroles de Susumu Hirasawa.

A l'occasion des dix ans de la saga mythique de Macross, un nouvel opus intitulé Macross II a été lancé en 1992. Du staff initial, nous ne retrouvons surtout que le character designer, Haruhi Mikimoto. En fait, ce nouveau volet est paru à l'initiative des producteurs et non pas du studio Nue, qui était aux commandes du film et de la série originale. Exit donc les célèbres Shôji Kawamori et Kenichi Matsuzaki et place à un réalisateur inconnu, Kenichi Yatagai.

Les six OAVs de Macross II sont devenus célèbres dans l'histoire de la japanimation par le flop retentissant qu'elles ont eu au Japon. La série a même failli s'interrompre au quatrième épisode, tellement les ventes ont été mauvaises. L'histoire est loin d'être originale avec une pâle copie des intrigues de l'histoire de départ, quelques lourdeurs et un manque évident d'originalité. En revanche, le récit est plus mouvementé et il donne une belle place à l'action, ce qui n'est pas si mauvais que cela, avec un peu de recul. Un autodafé était peut être éxagéré mais les fans de Macross considèrent encore Macross II comme une histoire parallèle qui n'a pas sa place dans la chronologie officielle, où sont admis Macross Seven et Macross Plus.

Les deux premières OAVs, I''s Eyes, sorties par le studio Pierrot en 2002 et 2003 ont été une grande déception pour les fans du manga dessiné par Masakazu Katsura. L'histoire, située chronologiquement après la fin du manga est bien pâle et la qualité pêche beaucoup, malgré un character design réussi.

En 2005, le studio entame une adaptation en six OAVs, intitulées I''s pure, en reprenant le récit depuis le départ. Six volumes, c'est peu pour restituer toute la richesse d'une romance en quinze tomes mais le studio a réussi à ne pas trahir l'esprit du manga d'origine, en proposant un produit de haut standing. Outre une animation très fluide cette fois, les OAVs ont un scénario fondé sur un socle solide, qui permet de tout suivre, sans avoir besoin de connaître le monde d'I''s. Certes, des pans entiers manqueront à certains fans, avec l'absence de personnages clefs mais l'esprit est respecté, ainsi que l'atmosphère romantique.

Des trois Original Soundtracks d'Infinite Ryvius, je ne retiendrai que le premier. C'est l'occasion de revenir un peu sur cette série de science fiction, mêlant un peu de mechas, pas mal d'aventures et beaucoup de psychologie. Après la déferlante Evangelion qui perdure encore à l'époque, l'anime est injustement réduit à une énième série de science fiction, qui surfe sur la nouvelle vague mecha.

Si le staff d'alors sur Infinite Ryvius se réunissait pour un nouveau projet, ce serait un événement. Les personnes qui faisaient plus ou moins leurs premières gammes sur cette série, ont continué leur chemin et elles se sont fait un nom dans le monde de l'animation. Je pense notamment au scénariste, Hajime Yatate, qui a travaillé ensuite sur les titres phares de la Sunrise, à savoir Cowboy Bebop, Gundam Seed et Escaflowne. Vous avez aussi le réalisateur, Gorô Taniguchi, qui a officié sur Planète et Gun-X-Sword mais qui est surtout aux commandes de Code geass, la série qui cartonne en ce moment. Cela a été aussi les débuts d'Hisaichi Hirai au character design. Son style de personnages est très reconnaissable dans Gundam Seed, dans Fafner of the Azure et dans le tout récent Heroic Age.